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1. ¿Cómo es una jornada habitual de entrenamiento dentro de Alvin Ailey American Dance Theater?
Hannah Alissa Richardson
Como actualmente estamos de gira, os daré una pequeña visión de cómo es un día habitual para nosotros cuando estamos de gira. Un día normal comienza con un buen y delicioso desayuno. Normalmente tenemos un breve descanso antes de prepararnos y dirigirnos al teatro para los ensayos. Solemos ensayar las piezas con el elenco que va a actuar esa semana. Después de comer algo rápidamente, tenemos la clase de compañía, que normalmente consiste en ballet impartido por un profesor invitado de la ciudad que estamos visitando. Siempre tenemos mucha suerte de contar con maravillosos profesores invitados que se unen a nosotros durante el camino.
Después vienen el pelo, el maquillaje, el vestuario y… ¡hora del espectáculo! Se cierra el telón, comemos, dormimos y ¡repetimos!
Christopher Wilson
Nuestros días como bailarines de Ailey pueden ser muy diferentes dependiendo de la época del año. Cuando estamos en nuestro periodo de ensayos en Nueva York, nuestros días de trabajo son de lunes a viernes y comienzan alrededor de las 10:30 de la mañana con una clase de calentamiento de la compañía.
Nuestros ensayos son de 12:00 a 19:00, con una hora para comer, de 15:00 a 16:00. Como la mayor parte de nuestros ensayos se concentra durante el verano, está bien tener los fines de semana libres para disfrutar de la vida y del buen tiempo.
2. ¿Qué disciplinas forman parte de vuestra preparación diaria?
Hannah Alissa Richardson
Nuestro entrenamiento diario es bastante diverso, y creo que esa es una de las cosas que hace tan especial ser bailarín de Ailey. El ballet es una parte importante de nuestro entrenamiento, pero también incorporamos técnicas modernas y contemporáneas, así como trabajo de fuerza y acondicionamiento para mantener nuestros cuerpos fuertes y preparados para las exigencias del repertorio.
Como nuestro repertorio es tan diverso, trabajamos constantemente diferentes calidades de movimiento, musicalidad, coordinación y formas de utilizar el cuerpo. Cada coreógrafo y cada pieza nos exige algo diferente, por lo que nuestro entrenamiento consiste realmente en mantenernos versátiles, adaptables y preparados para lo que venga después.
Christopher Wilson
Mi entrenamiento diario cambia de un día para otro. Entreno fuerza en el gimnasio entre dos y tres veces por semana. Hago yoga o Pilates una o dos veces por semana.
Realizo estas actividades junto con un calentamiento de danza —ballet, moderno y contemporáneo— cada día.
3. ¿Qué partes del cuerpo requieren una atención especial para poder ejecutar este tipo de movimiento con seguridad y eficiencia?
Hannah Alissa Richardson
Nuestro cuerpo es verdaderamente nuestro instrumento, una máquina bien engrasada. Cada parte de él es importante para poder actuar de forma segura y eficiente, desde la parte superior de la cabeza hasta la punta de los pies. Tenemos que ser conscientes de cómo cuidamos y utilizamos cada parte de nuestro cuerpo.
Pero, más allá de lo físico, creo que otra parte de nuestro cuerpo que requiere una atención especial es nuestra mente y nuestra salud mental.
Si nuestro estado mental está desequilibrado, puede afectar a todo lo demás, incluida nuestra forma de movernos, actuar y conectar con el trabajo.
Cuidar nuestra mente es tan importante como cuidar nuestro cuerpo.
Christopher Wilson
Personalmente, mi espalda y mi zona central requieren una atención especial. Tengo hipermovilidad en esas zonas, por lo que necesitan una mayor conciencia y fortalecimiento, especialmente cuando se trata de levantamientos y trabajo de pareja.
4. ¿Cómo trabajáis la fuerza y la movilidad sin que el entrenamiento físico limite la libertad artística?
Hannah Alissa Richardson
Al igual que los atletas profesionales, la danza y las artes escénicas requieren fuerza, acondicionamiento, resistencia y recuperación, y aún más. Aunque la danza desarrolla de forma natural nuestra fuerza y flexibilidad, hace falta un entrenamiento adicional para poder actuar al nivel al que lo hacemos.
El entrenamiento cruzado es muy importante. Muchos bailarines tienen sus propias formas de complementar su entrenamiento, desde Gyrotonic, Pilates y hot yoga hasta levantamiento de pesas, natación y cardio. Creo que encontrar lo que funciona mejor para tu propio cuerpo es fundamental. Para mí, eso consiste en la clase de compañía, Pilates y hot yoga, además de ser constante con mis ejercicios de fisioterapia.
Considero que mantener mi fuerza y movilidad fuera del estudio me proporciona, en realidad, más libertad como artista. Cuando mi cuerpo se siente fuerte, sostenido y preparado, puedo centrarme menos en las exigencias físicas y más en la parte artística, la musicalidad y la intención que hay detrás del movimiento.
Christopher Wilson
He descubierto que el entrenamiento de fuerza me ha proporcionado, en realidad, una mayor libertad artística. Me siento más conectado con mi cuerpo y he desarrollado una mayor confianza en su capacidad para soportar exigencias físicas extremas.
Con ello también ha llegado la libertad de poder centrarme en la calidad y en la intención, sabiendo que cuento con una base más sólida desde la que crecer.
5. ¿Qué aspectos del entrenamiento consideráis fundamentales para mantener el cuerpo preparado para afrontar diferentes lenguajes coreográficos?
Hannah Alissa Richardson
El señor Ailey siempre soñó con tener una compañía que fuera versátil en todos los estilos y géneros de danza. Para mí, lo que más me ha ayudado ha sido la variedad de formación que tuve antes de entrar en la compañía. Crecí en el mundo de la danza competitiva, entrenando jazz, claqué, acrobacia, ballet, hip-hop, teatro musical y contemporáneo.
Esto me proporcionó las herramientas que necesitaba para poder presentarme finalmente a una audición y ser aceptada en The Ailey School, donde pude continuar ampliando mi repertorio de herramientas adentrándome en el mundo de la danza moderna basada en Horton, la moderna basada en Graham, jazz, Dunham, canto para bailarines y mucho más.
Contar con esta variedad de formación me ha permitido desarrollar un cuerpo versátil y una comprensión más amplia del movimiento. Todas estas herramientas me han ayudado a prepararme para afrontar la diversidad de repertorio y estilos coreográficos que interpretamos dentro de la compañía.
Christopher Wilson
Me refiero a la combinación de fuerza y movilidad como «elasticidad»: la capacidad de llevar el cuerpo hasta sus extremos mientras se posee la fuerza necesaria para acortar y contraer el movimiento cuando sea necesario.
Todo ello es necesario para nuestro oficio.
6. Si tuvierais que explicar a un estudiante de danza cuáles son las características fundamentales del lenguaje de Alvin Ailey, ¿qué elementos destacaríais?
Hannah Alissa Richardson
Destacaría al estudiante que la danza moderna, el jazz y el ballet son fundamentales en el estilo del señor Ailey. Dicho esto, para mí, el corazón de su obra reside en la calidad interpretativa y en contar historias. El señor Ailey tenía una capacidad única para hacer sentir a las personas. Sin el componente artístico y la narración que hay detrás del movimiento, este puede convertirse simplemente en pasos sobre un escenario. Son la emoción, la intención y la historia las que dan vida al movimiento.
Christopher Wilson
La humanidad está en el centro de toda la coreografía del señor Ailey. Aunque el movimiento puede ser, en ocasiones, sobrehumano, su misión siempre fue «sostener un espejo ante la sociedad y mostrarle lo hermosa que es».
7. Para un estudiante de danza que os observa desde fuera, vuestro nivel puede parecer inalcanzable. Si tuvierais que señalar una cualidad que una joven bailarina o un joven bailarín debería empezar a cultivar desde hoy para convertirse en un buen intérprete de compañía (más allá de la flexibilidad, los giros o los saltos), ¿cuál sería y por qué?
Hannah Alissa Richardson
Hay una frase que Ronald K. Brown, el coreógrafo de Grace, siempre decía: «Enamórate del trabajo duro». Porque, al fin y al cabo, aunque nuestro trabajo consiste en hacer que bailar parezca fácil sobre el escenario, ser artista es un estilo de vida y requiere mucho trabajo.
Una vez que eso hace clic, todo va sobre ruedas. Continúa esforzándote, continúa entrenando y, lo más importante, continúa disfrutando del proceso. El viaje es tan importante como el destino.
Christopher Wilson
La capacidad de hablar y contar una historia a través del movimiento es una cualidad esencial para un bailarín profesional. Aunque la danza es un medio visual, la narración y las emociones son lo que la convierten en arte.
8. La compañía interpreta el repertorio histórico de Alvin Ailey junto a obras de coreógrafos como Medhi Walerski, Judith Jamison, Lar Lubovitch o Jamar Roberts. ¿Cómo cambia vuestro lenguaje corporal al pasar de una obra a otra sin perder vuestra identidad como intérpretes?
Hannah Alissa Richardson
Cambiar nuestro lenguaje corporal para adaptarnos a todos los estilos y las historias diferentes que cada coreógrafo aporta a la sala, sin perder nuestra identidad como intérpretes, comienza en el estudio durante los ensayos.
A través del proceso de ensayo tenemos la oportunidad de practicar, aprender más profundamente sobre la historia y comprender la intención que hay detrás de cada pieza.
También trabajamos estrechamente con nuestro maravilloso equipo artístico, que nos ayuda a guiarnos y se asegura de que demos vida a la visión del coreógrafo, permitiendo al mismo tiempo que nuestra propia individualidad brille.
Creo que la clave está en encontrar el equilibrio entre encarnar plenamente el mundo del coreógrafo y aportar nuestra propia verdad y nuestro propio lenguaje artístico.
Christopher Wilson
Una de las claves para interpretar obras de tantos coreógrafos diferentes es la capacidad de adaptarte a su estructura. Yo lo imagino como un dibujo: el coreógrafo esboza la imagen y proporciona al bailarín las herramientas y las indicaciones para colorear el resto.
La manera en que un bailarín da color a su movimiento se basa en su propia perspectiva y humanidad: las cualidades que nos hacen únicos a todos.
9. Cuando veis un movimiento por primera vez, ¿qué ocurre en vuestro cuerpo y en vuestra mente para pasar de «ver un paso» a hacerlo realmente vuestro?
Hannah Alissa Richardson
Creo que una de las primeras cosas que me vienen a la cabeza es: «¡Oooh, vamos a intentarlo!». Después dejo que mi cuerpo y mi experiencia tomen las riendas. Intento no pensar demasiado y, en su lugar, permito que mi cuerpo responda, confiando en el entrenamiento y la experiencia que he construido a lo largo de los años para que me guíen.
Christopher Wilson
Cuando aprendo una nueva coreografía, tengo que seguir intentándolo una y otra vez para que mi cerebro pueda fijarla y sentirme seguro. Una vez que alcanzo cierto nivel de seguridad con la secuencia, puedo empezar a hacer mío el movimiento y explorar más posibilidades artísticas.
10. ¿Qué diferencia existe entre estar físicamente preparado y estar preparado como intérprete?
Hannah Alissa Richardson
Creo que estar físicamente preparado te proporciona la fuerza, la técnica, la resistencia y el control necesarios para ejecutar el movimiento de forma segura y eficiente. Pero estar preparado como intérprete significa saber cómo tomar esas herramientas físicas y convertirlas en algo significativo.
Como bailarines, no nos limitamos a ejecutar pasos; somos narradores. La técnica nos proporciona la base, pero son la capacidad artística, la intención y la emoción las que dan vida al movimiento.
Christopher Wilson
Se presta mucha atención al aspecto físico de la danza —y es comprensible—. A los bailarines se nos pide constantemente que hagamos cosas sobrehumanas y antinaturales con nuestros cuerpos. Aunque estas acciones son impresionantes por sí mismas, es la capacidad de llegar al corazón y contar historias lo que lleva a la danza más allá del ámbito físico, hacia un espacio emocional y espiritual.
11. En un paso a dos, el público suele fijarse en los levantamientos o en los momentos de mayor riesgo. Pero, desde dentro, ¿qué elementos menos visibles sostienen realmente la confianza y la conexión entre dos intérpretes?
Hannah Alissa Richardson
¡Oh, me gusta mucho esta pregunta!
Desde un punto de vista técnico, en un paso a dos hay mucho desplazamiento de peso, dar y recibir, y comunicación. Ambos bailarines tienen que encontrarse a mitad de camino para poder ejecutar el movimiento de forma fluida.
La respiración también es muy importante. Respirar juntos puede unir realmente a los bailarines en un paso a dos.
Y, finalmente, el contacto visual crea una conexión entre los bailarines y permite comunicarse sin decir una palabra. Esos pequeños momentos, casi invisibles, son los que construyen la confianza y hacen que la pareja se sienta verdaderamente conectada.
Christopher Wilson
Para mí, dos elementos importantes del trabajo en pareja son cómo respiramos juntos y cómo comprendemos el cuerpo de la otra persona. La respiración es nuestra fuerza vital y una parte esencial de la danza.
Cuando trabajas con alguien de una manera tan física e íntima, es fundamental que vuestra respiración esté conectada para asegurar que os movéis al unísono.
Comprender el cuerpo de tu pareja es igualmente importante. Es muy habitual que las parejas cambien.
¿Existen diferencias en la manera en que cada persona prefiere ser sujetada? ¿Tienen ángulos óptimos que prefieren mostrar? ¿Cómo cambian las proporciones de una persona a otra? Todo ello es fundamental para la confianza y la conexión.
12. Alvin Ailey creó un espacio en el que la experiencia afroamericana podía expresarse a través de la danza. ¿Cómo entendéis hoy esa dimensión de su legado?
Hannah Alissa Richardson
El señor Ailey estaba adelantado a su tiempo. Creó una hermosa base en la que los bailarines podían ser vistos y la experiencia humana podía ser sentida.
Su obra continúa creando un espacio para que historias, culturas y experiencias puedan compartirse a través del movimiento y para conectar a personas de diferentes orígenes.
Estoy muy agradecida por su visión y formar parte de ella es un gran honor.
Christopher Wilson
El legado del señor Ailey resuena conmigo porque gran parte de su historia tiene paralelismos con la mía. Yo también soy un hombre negro del sur de Estados Unidos, criado por una madre soltera en la Iglesia Bautista.
Y aunque, sin duda, hay experiencias de su vida que quizá nunca llegue a vivir, siempre me he visto reflejado en ese espejo que él quería mostrar a la sociedad.
13. La compañía nació en un momento histórico en el que las oportunidades para los bailarines afroamericanos eran mucho más limitadas. ¿Qué ha cambiado desde entonces en el mundo profesional de la danza y qué retos consideráis que todavía existen?
Hannah Alissa Richardson
Creo que definitivamente existe más accesibilidad y más oportunidades para bailarines de diferentes orígenes que cuando el señor Ailey fundó la compañía. Hay más espacios para que los bailarines se formen, actúen y desarrollen una carrera profesional.
Creo que el reto ahora consiste en continuar creando esas oportunidades y asegurarnos de que los bailarines de todos los orígenes sientan que tienen un lugar en el mundo profesional de la danza.
El señor Ailey abrió muchas puertas y creo que es importante que continuemos abriendo aún más.
Christopher Wilson
Desde que se fundó Ailey, se han creado muchos más espacios que celebran y ponen en valor la experiencia negra y afroamericana: Dance Theatre of Harlem, Dallas Black Dance Theater y otros.
Aunque se han producido avances importantes y necesarios de este tipo, estos espacios suelen estar peor financiados y no reciben una plataforma tan amplia como sus equivalentes blancos y eurocéntricos, que históricamente han sido exclusivos.
14. Si pudierais hablar con un estudiante de 15 o 16 años que sueña con convertirse en bailarín o bailarina profesional, ¿qué le diríais que empezara a trabajar desde ahora?
Hannah Alissa Richardson
La señora Ronni Favors, nuestra antigua directora de ensayos, siempre nos decía que fuéramos «una esponja».
Con esto quería decir que absorbiéramos TODO. Todo lo que ves, escuchas y sientes. Ya venga de tu profesor al frente de la sala o simplemente de tus compañeros, absorbe toda la información que puedas y añádela a tu caja de herramientas de conocimiento.
También diría que nunca olvides la razón por la que empezaste a bailar en primer lugar. Vivir la vida de un artista puede resultar difícil en algunos momentos, pero si puedes recordar tu «por qué», te ayudará a mantener los pies en la tierra y a seguir avanzando.
Ah, y sí… ¡bebe más agua!
Christopher Wilson
Cuando los jóvenes bailarines entran en la etapa preprofesional de su carrera o formación, es fundamental que comiencen a investigar su propia individualidad.
Todos trabajamos constantemente para conseguir una técnica más depurada, una mayor flexibilidad, más fuerza y mucho más.
Sin embargo, la verdadera marca de un artista es la capacidad de mostrar sus propias cualidades únicas en una sala en la que existe poca o ninguna diferencia en cuanto a las capacidades físicas.
15. ¿Qué habilidades, que no se enseñan necesariamente en una clase de técnica, habéis tenido que desarrollar a lo largo de vuestra carrera?
Hannah Alissa Richardson
La perseverancia.
Una carrera en la danza viene acompañada de muchos momentos altos y bajos, y aprender a seguir adelante durante ambos ha sido una de las habilidades más importantes que he desarrollado.
Habrá momentos en los que las cosas no salgan como esperabas, pero aprender a seguir presentándote, seguir trabajando y seguir creyendo en ti mismo es lo que te mantiene avanzando.
Christopher Wilson
He aprendido muchísimo sobre cómo cuidar mi cuerpo desde que comencé mi carrera profesional.
Al principio tuve que enfrentarme a varias lesiones que me obligaron a buscar orientación profesional.
Pasé más tiempo con fisioterapeutas, comencé a realizar entrenamiento cruzado y, en esencia, tuve que reaprender muchas de las formas en las que abordaba el movimiento.
Comprender mejor mi cuerpo me ha proporcionado la capacidad de centrarme más en mi imaginación artística.
16. El Teatro Real es uno de los escenarios más emblemáticos del mundo. ¿Qué supone para vosotros actuar en un espacio con esta historia y qué relación esperáis establecer con el público madrileño a través de vuestro programa?
Hannah Alissa Richardson
Es un gran honor actuar en un teatro con tanta historia y significado.
Más que nada, espero que el público de Madrid se sienta conmovido e inspirado por lo que vea.
Espero que conecte con las historias que estamos contando, que sienta algo profundamente y que salga del teatro llevando consigo un pequeño fragmento de la experiencia.
Christopher Wilson
Me encanta actuar en espacios históricos.
Uno de los aspectos más fascinantes es ver a todos los artistas que han pasado anteriormente por ellos, aquellos que conozco y aquellos que no.
Sé que han pasado muchos años desde la última vez que Ailey actuó en España y tengo muchas ganas de llevar el espíritu de Ailey al público de Madrid.
Espero que salgan de las actuaciones sintiéndose animados e inspirados y espero que volvamos pronto para conectar de nuevo con ellos.
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